當錄音“無所不能”, 現場的意義何在?
馬金泉 李澄 于 2020.06.17 15:25:05 | 源自:音樂周報 | 版權:轉載 | 平均/總評分:10.00/50

年初時,在一個世界頂級唱片品牌與歌手的簽約儀式上,筆者聽到歌手們的演唱現場,那音程關系錯亂的演唱、缺乏統一的音色、令人提心吊膽的技術、幾乎沒有和聲概念的二重唱聽得人膽戰心驚。唱片公司卻并沒有絲毫擔憂,而是歡天喜地地昭告天下:粉絲們不久就將聽到他們最精彩的新專輯。該唱片公司有著非常專業的錄音團隊,相信那些現場的恐怖狀況在新專輯中一定不會出現,相反會帶來歌手們無可挑剔、完美無瑕的聲音。而如此的合作與簽約,不知是否可以視為今天錄音技術“無所不能”的“點金術”?當錄音“無所不能”的時候,現場的意義何在?

李澄(以下簡稱李):現場演唱和現場錄音對于聽眾來講,區別和意義在哪里?

馬金泉(以下簡稱馬):首先,錄音應該是記憶聲音的一個手段、一個載體。僅以聲樂而言,如果沒有錄音技術的發明,百多年前歌唱家的演唱不可能留存至今,而他們演唱的水準、風格和技術的運用我們都是很難知道的。正因為有了錄音技術,才得以讓我們領略到當時那些意大利或是歐美國家的“老炮兒”歌唱家們的聲音。而今天,我們也只能從當年留下的錄音中去探究他們的技術和藝術表現,去追尋他們的風采。

錄音技術發展到今天,已經達到了非常高的水準。在音響學中有一個分支叫歌唱聲學,研究歌唱家在劇場、音樂廳堂里歌唱所產生的共鳴指數,以及適合歌唱的建筑物的聲學指標。同時,歌唱聲學也研究通過電聲在劇場和建筑物中反映出來的歌唱聲學數據。作為一門科技,作為一個記錄歷史和時代的手段,錄音技術越來越好地發揮著它的功效。對于歌者來說,只要你的唱被記錄下來了,就有音可循,就可以通過聆聽和比較去判斷你今天是退步了還是進步了。可以說,錄音是歌者非常好的工具。

記得我剛剛工作的時候,能擁有一臺“板兒磚”卡帶錄音機就幸福無比了。現在,音質好一點的手機就可以八九不離十地還原自己的聲音。

錄音是較為客觀的聲音記錄,你的音準或是技術上的紕漏與瑕疵都可以“完美地”記錄下來。錄音是真實客觀的,很多時候你覺得自己唱得聲音位置很高,共鳴很充足且泛音豐富,但錄出來聲音卻是干干的,位置不是你想象的那樣高,但這卻是你真實的聲音。當然,錄音也有不真實的一面。隨著科技的發展和人類對美越來越極致的要求,不真實的一面被科技化了。比如你的音量不夠大,可以增加音量;你的聲音干澀,可以給你加混響;你的聲音暗淡,可以給你加高頻……這些都是當今錄音技術完全可以達到的。

先進的錄音后期制作,可以修正你幾乎所有的音準問題。我聽說還有更?人的手段:你連唱都不用唱,就把你的音色采樣進去給你做出一首“你唱的”聲樂作品。縱覽科技發展,我想人類想得到的東西,最后就一定能拿得出來。

回到現場演唱和現場錄音的區別和它的意義這個問題,我想說,現場演唱就是在音樂廳堂你聽到的真實的演唱。所謂真實,其實也是多多少少被美化了,因為一般的音樂廳或歌劇院的音響都在聲場上做了非常講究的設計,所使用的材料都是符合聲學聲場設計要求的,聲音的延長時值等都做了高精度的計算。我們常聽歌者講,這個音樂廳好唱、那個音樂廳不好唱,這個劇場像澡堂子、那個劇場聲音“干(干癟)”得厲害,大多是指有些場所自己演唱的聲音自己能聽到,有些地方則相反。其實職業歌者都知道,世界上每一個演出場地的聲場都是不一樣的,那怎么辦?只能憑聲音在腔體中的實質感覺唱。有的人舞臺經驗少,經常會感覺在舞臺演唱與在琴房或家里唱不一樣,因為空間變化“找不著北”而馬失前蹄者不在少數。不少在臺下高音從來不破的人,一到臺上不是聲嘶就是力竭常常出破音。

李:音樂廳、歌劇院的聲場都是個性化的,現場的區別也很大。都說阿姆斯特丹音樂廳管弦樂團的演奏有“獨特的聲音”,我曾在阿姆斯特丹的音樂廳聽廣州交響樂團的《良宵》,感覺那聲音似乎是“只能天上有”,而阿姆斯特丹管弦樂團在咱們國家大劇院就從來沒有唱片里的那種聲音。直到有一次,荷蘭指揮家海廷克神秘地跟我說:“哈哈,那他們是被自己的音樂廳慣壞了。”那么是否可以說,我們聽到的錄音都是不真實的?

馬:理論上講,現場錄音應該是真實的,那僅僅是相對錄音棚的專門錄音而言。人聲只要經過電聲,一定會產生變化。一般而言,即便是現場錄音,錄音師也會美化你的聲音。演出前,錄音師會聽你的排練,測聲場指數、鋼琴的音量、音色指數。你跟別人唱重唱時聲部的音量比例、聲場等,包括你在合唱隊前的領唱,他都要預先知道你的聲場的效果,然后做錄音設計。這些被美化了的聲音豈不是在造假?是的,事物都是一分為二的:一層是造假,而另一層即是美化。這與女人化妝相似,化了妝的她和本色的她是有區別的。

哪怕是現場錄音,歌者也總想要作為記錄保存下來。愛美之心人皆有之,誰都希望自己的聲音錄音后聽起來比自己想象得還美,越美越好,這是對演唱者而言;對于市場而言,作為商品進入市場,觀眾希望能聽到美的聲音。從這個意義上講,美化是需要的,是對的。

美國有個明星黑人花腔女高音,傳聞她幾乎場場都會唱破,但她的唱片銷售量曾在世界登峰造極。我當年在東京聽她唱《弄臣》的吉爾達,她的破音讓我驗證了傳聞。即便如此,人們還是相信并迷戀唱片中的她。

李:當年,國家大劇院請來強·卡洛導演《托斯卡》。私下聊天時他跟我說,他跟多明戈合作過不少歌劇和歌劇電影,常常是劇目結束后誰都不準走,陪多明戈補錄那個bb2,且多是錄20遍才收攤。那年多明戈在國家大劇院首演《納布科》的彩排場結束后,補拍了兩個小時的歌劇電影鏡頭。

馬:有個世界頂級大提琴家,每次錄音后他都會吃驚地問:“這是我拉的嗎?怎么全拉對了呢?”因為每次音樂會上演奏他都會出現瑕疵。其實他知道,不是他拉對了,而是錄音師通過技術手段給他“鼓搗”對了。所以我總勸圈里人,別總拿著歌唱大師們的錄音去比較當今歌唱家的現場演唱。要想了解一個音樂家的真正實力,還是要到劇場去聽現場。

我們國家的劇院越來越多了,劇院生活會慢慢形成。到了那天,估計大家就會更了解現場錄音和錄音棚錄音之間的關系。當然,錄音不可能都是美化,也有錄音美化不了反而只能削弱的地方。

李:是的。2001年湯沐海指揮國交演《鄉村騎士》請了意大利戲劇男高音加克米尼,聲音極其響亮,但他的錄音反而感受不到那種震撼。而戲劇男高音何塞·庫拉在國家大劇院的現場也比錄音猛得多。

馬:很多美聲歌唱家的聲音十分不入麥,特別是高音進了麥克風就“炸”,錄音師只能把他調弱。加克米尼和庫拉可能就是因為這個原因,他們的聲音太猛了,錄音師只能收不能放。我要強調的是,歌者在劇場形成的聲音震撼力和舞臺上展示的表演震撼力,在錄音中是難以呈現的。

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