黃蒙拉小提琴面面談:這是一個很難玩的游戲,但我必須玩通關
廖陽 趙知樂 于 2018.06.03 15:41:15 | 源自:澎湃新聞 | 版權:轉載 | 平均/總評分:09.50/19

小提琴家黃蒙拉自認為是一個傳統又保守的人,然而保守如他,這兩年也做了一件讓業界側目的創新事。

2017年,黃蒙拉在國內首創用“弦樂四重奏”替代傳統“交響樂團”來合作小提琴協奏曲,將巴赫《A小調第一小提琴協奏曲》《E大調第二小提琴協奏曲》、帕格尼尼《D大調第一小提琴協奏曲》演繹出別樣的風采。

小提琴不再是游離于交響樂團之外的獨奏樂器,更像是舞臺上這組特殊“弦樂五重奏”的成員之一,獨奏家也不再僅僅與指揮家配合,而是要傾聽其余四位音樂家的聲音,與每個聲部做出呼應與對話。

在作曲家溫德青的推薦下,黃蒙拉找來作曲家張士超合作編曲。那時候,他只覺得這個名字耳熟,還不知道他就是彩虹合唱團那首“網紅”歌曲——《張士超你到底把我家鑰匙放在哪里》的網紅男主角。

第一次做如此大膽的改編,黃蒙拉坦言自己猶豫過,糾結過,整個過程戰戰兢兢。好在,最終觀眾的反應讓他松了一口氣。

“這個嘗試在音樂的精神方面沒有損失太多,只是形式上稍加改變,出現的效果更精致、更靈動了。這樣的改變是我能接受的。”

2018年6月17日在上海交響樂團音樂廳,黃蒙拉將以“協奏的名義”為名,再度上演這套改編之后的小提琴協奏曲。

為何要做這樣一次創新,以及其他關于小提琴和古典樂的話題,我們聽聽黃蒙拉怎么說。

1

小提琴協奏曲主要是和大型樂團合作,優點是非常龐大,缺點是靈活度不夠。

練小提琴協奏曲時,我們經常會用鋼琴代替樂團,也有一些小提琴協奏曲被改編成鋼琴版本,但聲響上非常單薄,可聽性差。

所以這兩種形式中缺少一塊東西,一直沒有人去做。我的一個經紀人比較關注這一塊,他發了一些資料給我,覺得可以用弦樂四重奏替代交響樂團來合作小提琴協奏曲。

我一開始覺得不倫不類。我是非常傳統的人,我認為以前沒人做過,說明不好。

一個完整的體系自有一種自成模式的完美狀態,封閉性非常強,比如孔子的系統和基督教,你硬要去跨,很難弄。我相信古典音樂也是這樣。

如果我們去跨界創作,我們要改變音符、改變節奏,改變發音的方式。這在我看來太大膽了。這也是為什么剛開始提出改編,我有點猶豫。在我看來,莫扎特沒有一個多余的音符,是不能改的。

學古典音樂,你學到后面肯定越來越保守。

就好像唐詩,它有規則,它用的每一個字你都能找到出處,并不僅僅是為了好聽。它的存在是為了背后的含義、背后的內容,能帶給精神、心靈一些東西,這才是藝術的價值。

所以這次改編我是戰戰兢兢的。經過上一次巡演,我有信心了。我發現這個嘗試在音樂的精神方面沒有損失太多,只是形式上稍加改變,反而出現了新效果,更精致、更靈動了。這樣的改變是我能接受的。當然,交響這一塊稍微有點損失,管樂和打擊樂聲部會有缺失。

上次演完后,我接觸到一些音樂老師和學生,他們覺得這種形式給了他們啟發,還有老師來問我要譜子。

音樂學校考試都是考協奏曲,但學生通常只能和鋼琴練習,根本沒有和樂團合作的機會。我小時候也是這樣,練協奏曲最多和鋼琴合作,出去比賽,老師說給你一個和樂團接觸的機會,開心的呀。現在有這種模式,你至少會有音響上的一個概念——四重奏和只有一個鋼琴的聲音完全不一樣,交響化的可能性出現了。

我還是比較年輕的,我不想與世界脫節,世界還在往前走,你得順著潮流往前走。這個世界還是比較歡迎新事物,我性格保守,我希望這種往前走的精神能更小心一些,而不是完全放棄或完全反對這樣的做法。

如果完全反對,古典音樂也不會有這么多學派。我們在邁出這一步的時候,自己要進行價值判斷,進行內心拷問,它是為迎合而迎合,還是說它是一種創新?

我是不打破古典音樂內在體系的創新。

我這次改的是巴洛克、古典時期的曲子,這個時期對于管樂和打擊樂的運用沒那么強。我想慢慢介入到早期浪漫主義,慢慢融入四重奏的改編,如果不合適我們還可以暫停,不能把腳步走得太大,一下子走到晚期浪漫主義。

以后會不會嘗試室內樂演出?

我在倫敦的時候一直演室內樂,我本人也非常喜歡室內樂,甚至覺得比拉獨奏好玩。回來后,我發現國內的室內樂市場還沒發展起來,票房沒有交響樂、獨奏音樂會好。國外都是幾個家庭的孩子一起玩三重奏、四重奏,大家很輕松,曲目也熟悉。

其實,國內在室內樂的教學方面已經走在前面了。上海音樂學院挺重視的,花了很多精力和投入。教育這方面做到了,但市場還有待培育。

室內樂是古典音樂的根基、靈魂。老宗師們都喜歡玩室內樂,那是人和人之間靈魂的交流,你來一句我來一句,互相配合,相互傾聽。但是對聽眾來說,他們可能還沒有領會到其中的樂趣。

2

我是被父母要求學小提琴的。外人不知道學小提琴有多難,我爸媽都是醫生,他們覺得這么小一個東西,有什么難的?

我小學的主課老師是喬老師,后來喬老師去美國了,我六年級就跟著喬老師的老師——俞麗拿老師學了。

你們會覺得俞老師很幽默,沒什么距離感,當時我沒這么覺得。我那時候每星期壓力都很大,剛上完課就趕緊回家練琴,因為只有六天就得上課了,她對我還是蠻嚴厲的。沒有俞老師,我可能還開不了竅。

每一個人的學習道路是不一樣的。小提琴和音樂是兩塊東西,一個是藝術,一個是操作技能。 學操作技能真的很無趣。你說我好喜歡拉小提琴,絕對是假的。這是一個很難玩的游戲,我們要練大量基本功,做大量訓練,可能練很久都不好聽,沒效果。

舉個例子,我前不久去北京上大師班,一個小男孩拉完,我問他學了幾年,他說八年,我后來就不好意思說了,聽起來就是學習兩年的效果。可想而知,小提琴有多難,進步有多慢,要是碰到不好的老師,就是浪費生命。

我開始是覺得不好玩,俞老師介入后,不管你覺得好不好,反正給你一套標準,你必須完成任務。雖然難玩,但我必須玩通關。

最開始我們學的都是技術,是為了能熟練操作,不要一刀剪下去,把一件衣服給剪壞了。中學以后,我慢慢練一些樂曲,學習音樂方面的思考,慢慢發現挺有意思,打開了藝術的大門,原來拉小提琴是為了演奏音樂。

老師也分很多層面。有些是有目標的,他還會告訴你路徑,給你設幾個節點,教你怎么一步一步走過去;有一些老師有目標,但沒路徑,不知道怎么帶你走過去;還有一些老師目標都沒有,這個就比較尷尬了。

達到小提琴演奏的目標只是起步和基礎,意味著你學會使用這個工具了,但你要成為音樂大師,要在舞臺上演奏,人家不要看你剪刀玩得多好,而是要看你設計出一件衣服來。自從中學掌握了演奏技術,直到現在,我一直在學如何表達音樂的內容。

現在做小提琴獨奏家越來越難了。做獨奏家要有幾個特質,你要非常好地掌握演奏技能,要對音樂有自己的理解和看法,這種理解和看法還要能引起聽眾的共鳴。這三點非常重要。

然后就是有一些路徑,比如參加比賽,或者老師推薦,再就是機遇,遇到一些貴人可以讓你在舞臺上展示給公眾。很多有天賦的人也沒機會上臺。

我當時能出來,一來22歲時從帕格尼尼國際小提琴比賽拿到金獎,另外,環球唱片和經紀公司都有一定的支援。

我現在也在上海音樂學院教書。有些技術我們自己能輕易做到,會發現學生怎么都做不到?我們就得把這些輕易做到的東西去整理出一個條理,比如,找到手指肌肉運動的原因、方法,再分析給學生,經過這么一個梳理后,我對音樂也會有更理性的理解,教學相長是存在的。

會不會鼓勵學生參加比賽?

比賽時的演奏和音樂會上的演奏是兩種狀態。音樂會更純粹,我會把所有觀眾假想成朋友,是為朋友、為藝術演奏。比賽時你很難做到這一點,總會有壓力,是為了成功。有很多有才能的人沒有機會去展示給聽眾,比賽是一個機會。所以,我不敢否定比賽,但我也不敢過度鼓勵去比賽。

在大學時,我喜歡到處參加音樂節,認識老師,認識朋友,找機會開音樂會。九十年代在上海,大家沒什么機會開音樂會。那時候我沒想過要給自己爭取機會,只是覺得出去總比在家呆著好。后來,我發現我這個狀態很適合做藝術。古典音樂不是閉門造車的藝術,這是西方藝術,我們需要走出國門,需要去見識世界。所以誤打誤撞,所有的經歷都是有用的。

現在的學生眼界開闊多了,但壞也壞在這,深度不夠,不珍惜。我們上學時有一個外國專家來上課,簡直爆滿,大家求知欲都很強,專家每說一句話我們都會去分析,跟自己學的東西去綜合。

現在,音樂學院每學期都有很多大師,學校每星期都可以安排學生上大師班,學生已經不珍惜,不當回事了。以前我們要買原版碟都非常難,買一張碟回來反反復復聽,現在網上隨便看,反而會選擇迷茫。

3

我女兒六歲,三歲開始學小提琴,太太負責教,我負責大方向。我們倆都比較嚴,拉空弦都練了一個月。

一般三四歲就可以學小提琴了,這是需要童子功的藝術。不管學什么,好老師都很重要,你要么找好老師,要么不學。找老師最低的標準,是他要有一個目標,這個目標是正確的。不要覺得啟蒙時期的老師不重要,而是非常重要。

學小提琴很苦,不但苦,還容易走歪。一旦老師沒找好,你很容易養成各種壞習慣,比如弓子沒走直,手的壓力、弓弦的接觸點、手型、持琴的高度都容易出問題,耳朵都可能聽壞。太多問題了,對只有一種,不對是千奇百怪。

初學的話,你可以讓名師推薦學生,名師的學生,目標不會錯。另外,還可以找退休老師。一開始你不太可能找名師,一來很貴,二來很多名師也不愿意教啟蒙的孩子。好老師是可以慢慢打聽出來的。

觀眾怎么入古典音樂的門?

觀眾聽古典音樂其實很像盲人摸象,如果大家完全摸到了大象,說明站在和我一樣的高度了,我一定戰戰兢兢。我們會創造一個飽滿的世界,觀眾能夠摸到多少,感受到多少,因人而異,和他的悟性、教育程度、音樂背景有關。

我發現觀眾有好幾個層面。有一種人是,這首曲子我聽過了,我要聽別的曲子;還有一種人是,這首曲子我沒聽過,我不聽,有些人只聽《梁祝》,有些人只聽柴可夫斯基,別的都不聽。這兩種都有缺失。

一首作品你反復聽,你會越聽越深,慢慢這個作品的味道會浸到你的身體里,二十年后你經歷了什么事,會有音樂在腦子里陪伴你。但你如果不多聽,又會比較單一,就好像只吃甜食,你成了甜食專家,其實咸的食物也有好多,腌肉也很好吃呀。

盡可能多地聽,盡可能深地聽,兩種方法都可以入門。但如果一開始就聽各種不同的曲目,容易把古典音樂聽成背景音樂,因為聽過都不走心。

我建議,你喜歡一首作品,你就多聽,效果會更好。就像吃甜食,你吃到完全掌握了,再換別的。我中學有一段時間非常喜歡聽拉赫瑪尼諾夫,后來聽到肖邦,發現世界很寬,肖邦的世界也很深。當你對一個領域了解很深,你會觸類旁通,了解另一個領域也更容易了。吃多了甜才更知道咸嘛。

我現在的狀態比以前好。以前我在國外更放得開,在國內會有一些束縛,現在,我更愿意和世界有溝通和交流。以前我更關注打磨演奏,有一點閉門造車,想的都是怎么把琴拉好,現在經歷了很多,音樂感悟更深了,知道不管做什么都會留下體驗,盡可能去生活才能成長。

都說藝術來自痛苦,這個問題我大學就想過,現在稍微想明白了一點。

時代變了。五十年前,很多偉大藝術家經歷過的是我們這一代人都沒法經歷的,二戰、冷戰、猶太人被殺,為什么音樂界有那么多猶太人成為大師?就因為那段歷史,時代不可復制。

這是一個好時代。現在大家都太幸福了,所以現在的人拉琴甜味很多,苦味少了。我能聽到豐滿、圓滑、圓潤,但不深刻。以前那些苦難中出來的音樂家,藝術造詣上有一種風骨,現在我們有很多包在外面的肉,但那時候的藝術都是骨頭,更硬朗。

你也不能說現在不好,我也不向往那個年代。你可以通過了解世界和歷史,通過別人的故事,去感同身受。不需要經歷那種苦難,我們可以在音樂里經歷死亡和恐懼。

我很喜歡小提琴家海菲茲。鋼琴界、大提琴界、指揮界沒有一個人像海菲茲這樣,能凌駕于所有大師之上,他是唯一一個,沒法超越。不是說他所有的作品一定是最標準的版本,而是他的演奏方式很個人,所有作品都用他個人的方式去演繹,莫扎特不是莫扎特,巴赫不是巴赫,但他拉出來的聲音對人是有征服力、說服力的,你一聽就會被打動。

個人風格沒有辦法刻意,個性沒辦法造假,人家一聽就知道你是不是裝腔作勢、刻意為之。每件事每個人的表達方式都不同,你怎么理解怎么演繹這部作品,這就是你的風格和個性。

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